《如梦》一场光影下的舞台梦

        蓝色是忧郁，也是迷离。这被导演大量用于作品《如梦》当中，衬托出两位主人公失去时的痛苦。而他们的痛苦成了一段最大的悬念，拧着爱情的股绳上演一场近距离的舞台剧。
这部充满个性色彩的影片是罗卓瑶17年后再度复出的电影，就像《诱僧》一般，影片诠释剧情的过程充满了离奇的形式主义特征，也展现着导演梦幻的电影美学视角。
       然而，中国大陆地区对于舞台剧的传播还是趋于有限，因此这类题材的影片注定了仅能在小众范围内传播。受喜爱程度也要视观看者的观赏此类影片的经验而定，突然想起2008年袁卫东执导的影片《过界》也曾“引渡”过舞台剧上大荧幕，遗憾的是这次引渡虽然吸引了一小干影迷关注却未能获得大众的认可，就连在这一小戳影迷中获得认可的比率都占得很少。
        这大概是舞台效果过于纯粹导致，我相信在北京、在上海、在广东许多具有文艺沸点的影迷都会对舞台剧产生兴趣，可是舞台剧不同于电影，许多方式照搬是会变味儿的。就像是在地方久负盛名的美食，换了一个地域也会改变它最初的口感。因此，当《过界》很纯粹地视听惨败后，光影舞台成了一个值得探索的非常有趣味的话题。

       《如梦》很巧妙地将这段剧码编入了男女主角的梦中，并在其中用一种很纯净的方式传达着爱情的真意。因为极度伸展的肢体语言赋予了台词更多的深意，大量长镜头的拼接使得镜头语言充满了诗意。很难说，这样的表现是出众的，它太具有个人化特征，背离主流的路线太远，若非喜欢文艺片的影迷恐怕难以接受它的存在。
        梦境终究会醒，当吴彦祖的梦醒来时，他有如失恋一般四处寻觅那个在梦中与自己想见的女孩，也不管她是否真实存在。在某个街角邂逅的一位女孩像极了那个梦，于是两人开始了一段寻梦的旅程。只是旅程并不愉快，男主角又遁入了他的梦里……
        在真假虚实的世界里，影片就像意识流一般自由随意的四散开去。零零散散的碎片被漫不经心地组合在一起，从任何一个地方都可以抽离吴彦祖的痛苦，也可以让他的痛苦变得更无以复加。或许这就是舞台剧最独特的地方，它的互动性很强，也很开放，而留给观者的想象空间也更广阔。

       其实，舞台剧在荧幕上出现并非很新鲜的事情。在电影诞生之时舞台剧就为电影的推广立下过汗马功劳，然而在电影艺术发展得愈发成熟时舞台剧形式便渐渐淡出了电影观众的视线。
      中国观众体验舞台剧的不多，体验舞台剧形式电影的更加无多。究竟怎样的舞台剧电影算是好看的，还需要多多的体验才能总结出来。突然想起前段时间刚刚看过的一部法国影片《严禁嘴对嘴》，同样以舞台剧的形式加入光影元素构成了一部别开生面、妙趣横生的电影。夸大的肢体动作和表情在妥善的镜头处理和场面调度下展现出新的艺术风格，也体现出更大的艺术魅力。

      国产影片在近几年的发展速度是让人瞠目结舌的，而多元化的尝试也让国产影片呈现出百家争鸣、繁花似锦的局面。《如梦》在这样的环境下诞生尽管不能收获票房上的成功，但是对于整个电影工业的局面来说，却为多层次的电影文化注入深刻的内涵。